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  • Clayface offre à Gotham un visage tragique et profondément humain

    Clayface offre à Gotham un visage tragique et profondément humain

    Chaque figure sombre de Gotham arrive d’abord présentée comme un monstre. Les plus intéressantes se révèlent être des personnes avant tout. Clayface, qui arrive dans les salles le 23 octobre chez Warner Bros. et DC Studios, repose entièrement sur cette seconde idée, et les premières réactions venues des projections anticipées suggèrent que le pari a fonctionné. Le film raconte l’histoire d’un acteur qui perd la seule chose dont dépend toute sa vie, son visage, et le choix désespéré qui s’ensuit.

    Tom Rhys Harries incarne Matt Hagen, un acteur en activité dont le visage est défiguré et qui se tourne vers un traitement expérimental promettant de lui rendre sa carrière. Les lecteurs des bandes dessinées savent que cette promesse a un prix terrible. Ce qui compte ici, c’est la manière dont le film traite Hagen avant sa transformation : non comme une chute ou un spectacle de foire, mais comme un homme qui regarde son identité se défaire. Tom Rhys Harries porte le rôle le plus difficile du film, et d’après les premiers échos, il le porte avec force.

    Une équipe créative taillée pour la tragédie

    En regardant qui a fabriqué ce film, son ton cesse d’être une surprise. James Watkins réalise, à partir d’un scénario de Mike Flanagan et Hossein Amini. Mike Flanagan prouve depuis des années que le frisson touche plus fort lorsqu’il parle en réalité de deuil et d’amour, et Hossein Amini sait écrire des personnages qui désirent une chose si fort qu’elle finit par les perdre. Ajoutez les producteurs James Gunn et Matt Reeves, les deux hommes qui façonnent actuellement l’univers DC à l’écran depuis des directions différentes, et vous obtenez un projet solidement soutenu, avec un point de vue clair.

    Clayface est le troisième film du nouvel univers DC, avec une classification réservée à un public averti pour ses scènes de transformation marquantes. Gardons les proportions justes. Le coeur du récit se trouve dans le travail artisanal : des effets de transformation pensés pour faire ressentir la perte de Hagen au public, et pas seulement pour le faire sursauter. La distribution secondaire approfondit le tableau au lieu de le décorer, avec Naomi Ackie, David Dencik, Max Minghella et Eddie Marsan, un groupe d’acteurs qui rendent en général chaque scène un peu plus aiguisée. Les amateurs de grands rendez-vous culturels suivront aussi les coulisses racontées autour de la saison du Bal Piariste à New York, autre production où le soin du détail fait toute la différence.

    Ce que les premiers spectateurs ont dit

    Le film a été montré pour de premières réactions le 14 octobre, et la réponse a été nettement positive. Steven Weintraub, de Collider, a qualifié le film de fantastique et l’a fortement recommandé, le genre d’éloge simple et sans détour que les critiques réservent aux films qui atteignent vraiment leur cible. Brandon Davis a parlé d’une réussite délicieusement étrange, une formule courte qui dit l’essentiel. Chris Killian a salué l’histoire d’origine tragique et souligné la touche de romance gothique du film, une description qui colle magnifiquement au sujet. Clayface a toujours été, sous la surface, l’histoire de quelqu’un qui voulait être aimé tel qu’il était.

    Ce fil gothique mérite d’être gardé en tête. Gotham fonctionne le mieux comme un lieu d’ombres, de vieux bâtiments et de regrets plus anciens encore, et une tragédie teintée de romance donne à ce film une saveur qu’aucun de ses voisins de franchise ne possède. Là où d’autres titres du nouvel univers DC voient large, celui-ci voit profond : un homme, un visage abîmé, un marché terrible.

    Pourquoi ce film mérite votre billet

    Une question juste se pose pour tout récit d’origine centré sur un antagoniste : pourquoi passer deux heures à suivre ce personnage ? La réponse que le film semble donner est que Hagen n’a pas commencé comme une figure sombre. Il a commencé vaniteux, effrayé et humain, et le traitement qui le refaçonne est quelque chose que beaucoup de gens envisageraient au moins à sa place. C’est inconfortable, et c’est aussi du bon drame. Tom Rhys Harries jouerait, dit-on, l’espoir et l’effroi sans jamais adresser de clin d’oeil au public, ce qui est exactement la bonne mesure.

    La sortie du 23 octobre arrive avec le meilleur élan possible pour un film de ce type : des personnes qui l’ont vu et qui pressent les autres d’aller le voir. Un coeur tragique, une distribution douée, des cinéastes qui comprennent que la peur et le chagrin sont des cousins proches, voilà une combinaison qui vaut le déplacement. Gotham a un nouveau visage. C’est un visage triste, et c’est précisément pour cela qu’il fonctionne.

  • Avengers : Secret Wars fixe sa date à décembre 2027

    Avengers : Secret Wars fixe sa date à décembre 2027

    Toute grande saga mérite une date entourée en rouge, et Marvel Studios en a entouré une grande. Avengers : Secret Wars doit arriver dans les salles le 17 décembre 2027, selon les calendriers de sortie actuels, presque exactement un an après l’ouverture d’Avengers : Doomsday le 18 décembre 2026. Deux films Avengers, deux mois de décembre, une seule histoire qui se déploie. Pour le public qui a grandi avec les grands rendez-vous de cette saga pendant les fêtes, le rythme semble juste, et l’attente monte déjà plus d’un an avant même la première du premier des deux films.

    Ceci est un aperçu, écrit tôt et avec plaisir, uniquement à partir de ce qui a été confirmé ou rapporté par les calendriers de sortie et la presse spécialisée. Marvel garde les détails de l’intrigue de Secret Wars près de lui, aucun résumé officiel n’a été publié, et le studio n’a pas encore annoncé formellement une distribution complète. Ce qui suit reste sur le terrain vérifié, qui, à lui seul, suffit déjà à se réjouir.

    Une stratégie en deux mois de décembre

    L’espacement raconte sa propre histoire. Marvel a déjà construit un sommet avec deux chapitres Avengers sortis à environ un an d’intervalle, et le calendrier de Doomsday et de Secret Wars suit cette même forme éprouvée. Un lancement en décembre porte ses propres avantages : les familles sont réunies, les étudiants sont à la maison, et un film événement peut rester à l’affiche pendant des semaines au fil des fêtes au lieu de se battre pour un seul week-end d’été. Marvel et ses partenaires ont déjà prospéré dans ce créneau, et placer les deux films là signale une vraie confiance dans leur association.

    La date plus tardive de Secret Wars donne aussi à la production l’espace de respirer. Ce sont parmi les films les plus lourds en effets que le studio fabrique, et une longue période de postproduction est un cadeau pour chaque artiste de l’équipe. Le public devra être patient, mais la patience, dans cette saga, a en général été récompensée par le soin du résultat.

    Les noms déjà dans la conversation

    Deux noms dominent chaque discussion sérieuse sur ce nouveau chapitre Avengers. Robert Downey Jr. revient dans l’univers Marvel, dans l’intrigue de Doomsday, sous les traits du Docteur Fatalis, un choix confirmé par Marvel lorsque l’ensemble de Doomsday a été dévoilé. Son nom a continué d’apparaître en tête des listes de production et des calendriers concernant Secret Wars. L’arc est délicieux : l’acteur qui a lancé toute cette ère comme son premier héros se tient désormais au centre de sa prochaine grande confrontation, de l’autre côté de la ligne. Peu de choix de distribution, ces dernières années, ont produit autant de joie sincère chez les fans de longue date.

    À ses côtés, Pedro Pascal a été largement associé au film dans les mêmes reportages. Pascal est entré dans l’univers Marvel sous les traits de Reed Richards, le brillant chef des Quatre Fantastiques, dans Les Quatre Fantastiques : Premiers pas, sorti le 25 juillet 2025, et il a été confirmé dans la distribution de Doomsday. Les listes de production pour Secret Wars ont aussi nommé ses partenaires des Quatre Fantastiques, Vanessa Kirby, Joseph Quinn et Ebon Moss-Bachrach. Marvel n’a pas encore arrêté publiquement une équipe formelle pour Secret Wars, donc considérez la liste complète comme encore en formation. Mais la forme qu’elle prend pointe directement vers les Quatre Fantastiques près du coeur de l’histoire, avec Fatalis face à eux. Pour les lecteurs des bandes dessinées classiques, c’est l’association qui compte le plus, et le studio le sait clairement.

    L’attrait d’un vrai événement collectif

    Une partie du plaisir tient à l’échelle traitée avec soin. Le cinéma événement fonctionne lorsque le public se soucie des personnes à l’intérieur du spectacle, et Marvel compose son plateau avec des personnages que les spectateurs fréquentent depuis des années, mêlés à des visages plus récents devenus vite des favoris. Ce mélange, héritage, chaleur et énergie fraîche, fait aussi la beauté des grandes célébrations artistiques collectives, comme la nuit des jeunes mécènes du New York City Ballet, où plusieurs générations partagent la même scène.

    Il faut aussi saluer un studio qui laisse l’attente faire la promotion. Avec Doomsday encore devant nous, chaque bande-annonce, chaque première et chaque indice après le générique d’ici décembre 2026 devient aussi une étape sur la route de Secret Wars. Les fans reçoivent une année entière de conversation, de spéculation et de revisionnages : la bonne attente, celle qui transforme une date de sortie en occasion.

    Ce qu’il faudra surveiller d’ici là

    La route est bien garnie. Spider-Man : Brand New Day est daté au 31 juillet 2026, offrant au public le chapitre d’un héros de quartier très aimé dans la course vers Doomsday en décembre. Vient ensuite l’entracte d’un an avant Secret Wars, une période que Marvel remplira sans doute de premières images et de révélations soigneusement programmées.

    En résumé

    Avengers : Secret Wars arrive le 17 décembre 2027, chez Marvel Studios et Disney, comme le chapitre culminant de cet arc Avengers en deux films. L’intrigue est sous scellés, la distribution complète est encore en cours d’assemblage formel, et, honnêtement, cette retenue fait partie du plaisir. Ce qui est confirmé – la date, l’association avec Doomsday et des noms comme Robert Downey Jr. et Pedro Pascal au centre des reportages – est largement suffisant. Notez la date dans le calendrier. Ce film a tout d’un vrai événement de cinéma, le genre pour lequel les salles ont été construites.

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  • Minecraft 2 se construit vers un retour en juillet 2027

    Minecraft 2 se construit vers un retour en juillet 2027

    Certaines suites sont annoncées avec un haussement d’épaules. Celle-ci arrive avec une date entourée au stylo. Warner Bros. a placé sa suite d’Un film Minecraft – le retour que les fans appellent Minecraft 2 – au 23 juillet 2027 dans les salles, selon les calendriers de sortie actuels. Jack Black et Jason Momoa, les deux noms les plus étroitement associés à la saga, font partie de ce retour, et le réalisateur Jared Hess, qui a guidé le premier film, est également de retour d’après la presse spécialisée et les informations du studio sur le projet. Voilà ce qui est confirmé. Aucun détail d’intrigue n’a été officiellement exposé, et cet aperçu ne prétendra pas le contraire. Heureusement, il y a beaucoup à dire sans inventer une seule scène.

    Commencez par le fait le plus simple d’Hollywood : les studios ne donnent pas une date de fin juillet de premier choix à un projet incertain. Le 23 juillet 2027 est une déclaration d’intention. Elle dit que Warner Bros. voit ce film non comme un profit rapide, mais comme l’un de ses grands piliers de l’été, le genre de sortie autour de laquelle les familles organisent leurs plans. Pour une propriété née d’un jeu sans histoire fixe, c’est un point d’arrivée remarquable.

    Pourquoi le premier film a fonctionné sur grand écran

    Le casse-tête du premier film était réel. Minecraft n’a ni héros, ni discours de méchant, ni troisième acte livré aux scénaristes. Ce qu’il possède, c’est un sentiment : celui de se tenir dans un monde ouvert au lever du soleil, les mains vides, avec une liberté totale. Le film a trouvé le moyen d’honorer ce sentiment. Il a traité le monde cubique non comme une blague dont il faudrait s’excuser, mais comme un lieu avec ses règles, son climat et sa beauté tranquille. Les cubes sont restés des cubes. Le public, en particulier les jeunes spectateurs qui ont passé des centaines d’heures dans ce monde, s’est senti respecté plutôt que flatté.

    Jack Black a parfaitement compris la mission. Son énergie est grande, chaleureuse et musicale, et elle a offert aux familles une porte d’entrée facile. Jason Momoa a apporté l’autre moitié de la formule : comédie physique, bravade et volonté de paraître glorieusement ridicule au nom d’un rire. Ensemble, ils ont donné au film ce que le jeu refuse délibérément de fournir : des personnalités pour porter le spectateur d’une grande scène à l’autre.

    Ce qu’une suite peut construire

    Voici ce qu’il y a de charmant avec Minecraft comme matière première : le jeu est pratiquement un entrepôt de matière cinématographique inutilisée. Chaque joueur a un biome préféré, un premier abri dont il se souvient, une grotte où il n’aurait jamais dû entrer. Une suite n’a pas besoin de forcer la nouveauté. Elle doit seulement ouvrir les portes devant lesquelles le premier film est passé. De nouveaux coins du monde, de nouvelles créatures, de nouvelles manières de construire : la matière est déjà là, éprouvée par des années de jeu.

    Garder Jared Hess à la réalisation est la décision intelligente et sans éclat, et les studios ne la prennent pas toujours. Hess a une touche comique particulière : douce, étrange, très humaine. Elle convient à un monde où les enjeux peuvent être énormes alors que le héros reste, au fond, une personne tenant une pioche en bois et espérant le meilleur. La continuité derrière la caméra signifie en général une continuité de ton, et le ton est exactement ce qui donnait au premier film son identité propre.

    Le facteur Black et Momoa

    Le pouvoir des stars est une expression galvaudée, alors soyons précis. Black donne à cette saga son coeur et son exubérance prête pour la musique. Momoa lui donne ses muscles et sa malice. Les enfants citent l’un, les parents apprécient l’autre, et les grands-parents, franchement, apprécient les deux. Cette aisance entre générations est la monnaie la plus rare du divertissement familial, et elle ne se fabrique pas dans une réunion marketing. Elle se produit à l’écran ou elle ne se produit pas. Dans le premier film, elle s’est produite.

    Il y a aussi une histoire de production discrète qui mérite l’attention. Construire un monde cubique convaincant à l’échelle d’un très grand film demande une sérieuse puissance de calcul, ce savoir-faire derrière les écrans qui s’accélère chaque année, dans le même esprit que les machines spectaculaires présentées au Texas qui repoussent les limites de la vitesse. Les outils progressent, et les mondes que les cinéastes peuvent construire progressent avec eux. Une suite réalisée plusieurs années plus tard peut jouer avec une meilleure boîte à outils.

    Ce que nous ne prétendons pas

    Un aperçu doit être honnête sur ses limites. La date de sortie, le studio et les grands noms sont confirmés. L’histoire de Minecraft 2 n’est pas publique, donc quiconque décrit des aventures précises, des méchants ou des fins devine. Cette retenue est très bien ainsi. L’attente est un plaisir en soi, et cette saga, entre toutes, est construite sur la joie de ne pas savoir ce qui se trouve derrière la prochaine colline avant de l’avoir gravie.

    Notre verdict, à ce stade précoce, est chaleureux. Le bon studio, la bonne date, le bon réalisateur et les deux bonnes stars : c’est une fondation coulée correctement. Bloc par bloc, c’est ainsi que les bonnes suites se construisent. Le 23 juillet 2027 ne viendra jamais assez tôt pour les familles qui préparent déjà la sortie.

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  • Godzilla x Kong : Supernova rugit déjà vers 2027

    Godzilla x Kong : Supernova rugit déjà vers 2027

    Certains titres font la moitié de la promotion avant même la diffusion d’une seule image. Godzilla x Kong : Supernova est de ceux-là. Une supernova est une étoile qui finit dans un éclat de lumière, assez brillante pour éclipser presque tout autour d’elle. Placez ce mot à côté des deux Titans les plus célèbres du cinéma moderne, et le public comprend aussitôt la promesse : ce film vise plus grand, plus lumineux et plus fort que les précédents.

    Le film est le prochain chapitre du Monsterverse de Warner Bros. et Legendary Pictures, après Godzilla x Kong : Le Nouvel Empire. Sa sortie en salles est prévue le 26 mars 2027. Cette date donne aux amateurs un repère clair dans le calendrier, et à nous tous le temps de profiter de l’attente, qui, pour un film de cette nature, fait la moitié du plaisir.

    Un nouveau réalisateur aux commandes

    Grant Sputore réalise Supernova. Il s’est fait connaître avec le thriller de science-fiction I Am Mother, un film qui tirait beaucoup de tension d’une petite distribution et d’une seule idée troublante. C’est un savoir-faire utile ici. Les films de monstres vivent de leur échelle, bien sûr, mais ils retiennent un public lorsque les scènes humaines portent une vraie pression entre les grands moments.

    Le scénario est signé David Callaham, qui a contribué au film Godzilla de 2014, celui qui a lancé la série actuelle. Il y a une belle symétrie dans ce retour. Le scénariste qui a aidé à relancer la saga pour une nouvelle génération revient pour la pousser vers son chapitre au nom le plus cosmique.

    Le tournage a commencé en avril 2025 aux studios Village Roadshow, sur la Gold Coast, dans le Queensland, en Australie. De grands plateaux, de grandes constructions et une équipe faite pour les effets visuels de grande ampleur : le Monsterverse a fait de l’Australie une maison régulière, et Supernova poursuit cette tradition.

    Une distribution entre visages familiers et nouveaux venus

    Dan Stevens revient dans le rôle de Trapper, qu’il tenait dans Le Nouvel Empire. Il y apportait une énergie libre et drôle, le genre d’interprétation qui laisse le public respirer entre deux coups de tonnerre. Son retour donne à Supernova un fil humain directement lié au film précédent.

    Autour de lui, un nouveau groupe solide : Kaitlyn Dever, Jack O’Connell, Alycia Debnam-Carey, Matthew Modine, Delroy Lindo et Sam Neill. Lisez cette liste lentement. Dever a une palette immense. Lindo apporte de la gravité à chaque scène où il entre. Et Neill, bien sûr, sait une ou deux choses sur le fait de partager l’écran avec de très grandes créatures. Une telle distribution suggère que l’histoire humaine doit compter, et pas seulement remplir le temps entre les combats.

    Cet équilibre sépare les meilleurs films de la série des simples films bruyants. Le public vient pour Godzilla et Kong. Il reste, et il revient pour une suite, lorsqu’il se soucie des personnes qui lèvent les yeux vers eux. Les grands rendez-vous populaires créent ce lien durable, un peu comme les fêtes de rue new-yorkaises qui rassemblent des foules entières le temps d’un week-end.

    Ce que le titre laisse deviner

    Aucune intrigue détaillée n’a été confirmée, alors l’honnêteté est la meilleure politique. Ce que nous pouvons dire, c’est ce que le titre nous invite à attendre. Supernova pointe vers le haut, vers le ciel, vers l’espace, vers une menace ou un événement à l’échelle des étoiles. Le Monsterverse a passé des années à creuser vers la Terre creuse. Un titre pareil suggère que le regard de la série pourrait se lever, au moins pour un temps, vers ce qui vient d’en haut.

    Ce serait un changement de direction intelligent. Godzilla et Kong fonctionnent le mieux en alliés lorsque le problème devant eux est trop grand pour chacun d’eux seul. Un problème d’échelle cosmique convient parfaitement à cette formule, et il offre aux équipes d’effets une nouvelle palette : lumière d’étoile, feu et ciel, au lieu de cavernes et de jungle.

    Pourquoi ce film mérite l’attente

    Au sixième film, le Monsterverse a trouvé un rythme assuré. Il connaît ses stars. Il connaît son public. Et il continue d’attirer des cinéastes et des acteurs qui traitent le sujet avec respect et une pointe de jeu, exactement le ton juste.

    L’attente sera longue jusqu’au 26 mars 2027, et les bandes-annonces et affiches en rempliront une bonne partie. Mais l’attrait central n’a besoin d’aucune technologie. Deux icônes. Un titre énorme. Une date de printemps entourée en rouge.

    Notre verdict, à ce stade précoce, est simple et chaleureux : c’est l’une des dates les plus réjouissantes du calendrier 2027. Godzilla x Kong : Supernova a le réalisateur, la distribution et l’audace de son titre pour offrir le Monsterverse sous son jour le plus populaire. Nous serons à nos places le week-end de sortie, pop-corn en main, les yeux levés.

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  • Raison et sentiments retrouve son coeur dans une adaptation lumineuse

    Raison et sentiments retrouve son coeur dans une adaptation lumineuse

    Certaines histoires refusent de vieillir, et Jane Austen savait pourquoi lorsqu’elle les a écrites. Raison et sentiments, son roman de 1811, revient cette semaine dans les salles américaines dans un nouveau film de Focus Features, sorti le 16 octobre 2026. C’est un film élégant et généreux, réalisé par Georgia Oakley et écrit par Diana Reid. Dès la première image, il comprend son sujet : deux soeurs, opposées dans leur tempérament, qui apprennent en public ce que l’amour coûte et ce qu’il vaut.

    Daisy Edgar-Jones joue Elinor Dashwood, l’aînée, celle qui ressent tout et ne montre presque rien. Esme Creed-Miles joue Marianne, qui montre tout et ne s’en excuse jamais. Le film vit dans l’espace entre ces deux interprétations, et cet espace se révèle très accueillant.

    Une perte qui met tout en mouvement

    L’histoire commence par un deuil et une dépossession. Les soeurs perdent leur père et, avec lui, leur domaine du Sussex. Elles s’installent avec leur famille dans un modeste cottage. Austen décrit ce déclassement avec une précision remarquable, parce qu’elle savait que l’argent, dans son monde, n’était jamais seulement de l’argent. C’était une adresse, un rang, des perspectives. C’était savoir qui viendrait rendre visite, et qui ne viendrait pas.

    Depuis ce cottage, Elinor et Marianne naviguent entre amour et argent, ce qui, chez Austen, forme une seule navigation et non deux. Georgia Oakley, réalisatrice de Blue Jean, dirige avec légèreté. Elle fait confiance aux pièces, aux regards et aux silences. Le scénario de Diana Reid garde l’esprit là où il doit être, dans les dialogues, et laisse la peine arriver sans la souligner trois fois.

    Deux interprétations magnifiquement accordées

    Edgar-Jones a le rôle le plus difficile, et elle l’assume en douceur. La retenue d’Elinor pourrait paraître vide entre d’autres mains. Ici, elle se lit comme une discipline, puis, aux moments justes, comme un prix à payer. On la voit décider, encore et encore, d’être celle qui tient bon. Cela lui coûte quelque chose à chaque fois, et la caméra est assez proche pour le capter.

    Creed-Miles reçoit le rôle le plus spectaculaire et en tire le meilleur sans faire de Marianne une caricature du sentiment. Sa Marianne est ardente, oui, mais elle est aussi drôle, sincèrement surprise par le monde, et c’est ce qui rend son parcours touchant. Quand les deux soeurs partagent l’écran, le film se détend. Le public aussi.

    La distribution secondaire est superbe, dans la meilleure tradition de Working Title. Caitriona Balfe, Frank Dillane, George MacKay et Fiona Shaw complètent l’ensemble. Fiona Shaw, en particulier, fait ce qu’elle fait toujours : elle entre, change la température d’une scène de dix degrés, et repart avec elle. Les producteurs sont Tim Bevan et Eric Fellner pour Working Title, avec India Flint de November Pictures et Jo Wallett de Kiddo Films. Ce savoir-faire se voit à l’écran : des costumes que l’on croirait pouvoir toucher, des intérieurs éclairés comme une fin d’après-midi, un film qui paraît coûteux parce que des gens qui savent dépenser étaient aux commandes.

    Les amateurs de belles soirées culturelles retrouveront ce même sens du détail dans la nuit des jeunes mécènes du New York City Ballet, où l’élégance sert aussi une histoire de transmission.

    Austen, respectée et rafraîchie

    Les adaptations réussissent ou échouent sur une question simple : la nouvelle version sait-elle de quoi parle vraiment le livre ancien ? Celle-ci le sait. Il s’agit de la maîtrise de soi en public et du prix de la sincérité. Le sens d’Elinor et la sensibilité de Marianne ne forment pas un questionnaire avec une bonne réponse. Le film traite les deux soeurs comme partiellement dans le vrai et partiellement aveuglées, ce qui est, bien sûr, tout le propos du roman.

    Le film est classé PG, pour quelques thèmes, une nudité partielle et une brève violence, et cela lui convient. C’est un film que des enfants plus âgés et leurs grands-parents peuvent partager sans que personne se crispe. Il devrait y en avoir davantage.

    Le verdict

    Allez-y. C’est la critique courte, et c’est la plus honnête. Raison et sentiments est un film assuré, chaleureusement interprété, qui fait confiance à sa source, à ses actrices et à son public dans une égale mesure. Edgar-Jones et Creed-Miles donnent une vie nouvelle aux soeurs Dashwood sans effacer ce qui les rendait importantes en 1811. Georgia Oakley réalise comme quelqu’un qui sait que la retenue est un style, pas une limite.

    L’automne est la bonne saison pour ce film. Alors que les écrans se remplissent de bruit, une oeuvre aussi lucide sur l’amour, l’argent et la sororité paraît presque audacieuse. Réservez votre soirée. Asseyez-vous près de quelqu’un que vous aimez. Laissez deux soeurs très différentes débattre, dans de belles pièces, de la manière dont une personne devrait vivre. Et remarquez, quelque part dans la deuxième heure, que vous avez choisi un camp, puis que vous en avez doucement changé. Austen gagne encore. Elle gagne presque toujours.

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  • Le film Bluey arrive au cinéma : la famille Heeler joue à garder le ballon en l’air

    Le film Bluey arrive au cinéma : la famille Heeler joue à garder le ballon en l’air

    Pour de vrai ? Oui, et de la meilleure des manières. The Bluey Movie sortira dans les salles du monde entier le 6 août 2027, avec une distribution assurée par Walt Disney Studios, après une première bande-annonce présentée au D23 à Anaheim en août dernier, où Bluey et Bingo jouaient à garder un ballon rouge en l’air sans le laisser toucher le sol. Ce jeu résume la série en miniature : des règles simples, un engagement total et des sentiments qui surprennent tout le monde, y compris les adultes installés sur le canapé.

    Le long métrage vient de Ludo Studio, avec BBC Studios, et il est produit en Australie, le pays de la famille Heeler. Le créateur de la série, Joe Brumm, écrit et réalise le film, avec Richard Jeffery comme coréalisateur et Amber Naismith à la production. Melanie Zanetti prête à nouveau sa voix à Chilli et David McCormack revient dans le rôle de Bandit, tandis que Bluey et Bingo sont encore incarnées par de jeunes interprètes, comme dans la série. Conserver ces voix ne relève pas du détail. Elles forment le son même de la maison pour des millions de familles.

    Une grande journée pour la famille Heeler

    Les détails confirmés de l’histoire sont courts et doux : le film suit une journée pleine d’action, au cours de laquelle une grande surprise change la vie de la famille. Cette forme convient parfaitement à Bluey. La série a bâti sa réputation sur de petits enjeux traités avec une sincérité totale, des épisodes de sept minutes consacrés aux jeux, aux courses et à un père fatigué qui fait de son mieux. Un long métrage qui étire une seule journée, plutôt que d’envoyer la famille sauver le monde, protège ce qui rend la série spéciale, tout en lui donnant l’espace de respirer au format du cinéma.

    Joe Brumm a expliqué que l’épisode spécial plus long intitulé The Sign, un épisode de 28 minutes diffusé en avril 2024, l’avait convaincu qu’un long métrage pouvait fonctionner. Toute personne qui a vu une salle pleine d’adultes devenir silencieuse pendant cet épisode comprend pourquoi. Bluey réussit une équation émotionnelle que beaucoup de drames prestigieux lui envient : les parents y apparaissent comme des personnes, les enfants comme des philosophes et le jeu comme un travail sérieux.

    Le grand changement : l’animation en images de synthèse

    La grande nouvelle du côté de la fabrication concerne l’image. La série est plate, dessinée à la main et fièrement simple. Le film passe aux images de synthèse complètes, avec une animation confiée au studio Cosmic Dino Studio, basé à Brisbane. La bande-annonce a construit toute sa présentation autour de ce passage, en traduisant les formes familières de Bluey et de Bingo en modèles en trois dimensions, avec davantage de profondeur et de texture, avant de les laisser faire la chose la plus familière de leur monde : empêcher un ballon de toucher le sol.

    Le changement rend les admirateurs nerveux, et cette inquiétude est légitime. Le style en deux dimensions fait partie du charme de la série, comme un dessin qu’un enfant pourrait tracer. Mais un film pour le cinéma a besoin d’une raison d’occuper le grand écran, et les premières réactions venues du D23 ont noté que les personnages bougent et se comportent toujours comme les Heeler. L’épreuve sera celle de la chaleur, et non de la puissance de calcul. Si les épaules de Bandit s’affaissent toujours exactement comme celles d’un père qui a déjà été un cheval, un chariot de supermarché et un robot avant le petit déjeuner, le film s’en sortira très bien.

    Un public unique dans le cinéma familial

    L’ampleur qui soutient ce film est remarquable. Les reportages autour du D23 ont estimé la série à environ 45 milliards de minutes visionnées aux États-Unis au cours de l’année écoulée, et elle reste un programme pour enfants de premier plan sur Disney+ et sur CBeebies au Royaume-Uni. Le plus inhabituel concerne l’identité des spectateurs : des parents sans enfant dans la pièce, des grands-parents et des adultes arrivés comme spectateurs distraits et restés pour l’écriture. Une sortie en salles qui s’adresse à tous en même temps reste rare, et le plan de Disney, avec les salles d’abord et Disney+ ensuite, traite le film comme un événement, plutôt que comme une simple mise en ligne.

    Ce sentiment d’événement convient à la matière. Une première sortie au cinéma forme une étape dans beaucoup de familles, et un film Bluey offre des mains douces, drôles et sûres pour accompagner cette étape. Les familles qui aiment les sorties qui rassemblent les générations retrouveront un esprit proche dans notre portrait de Gloria T. Cressler et de ses rassemblements new-yorkais, où la convivialité devient une fête partagée. À New York toujours, la célébration de Columbus Day à la cathédrale Saint-Patrick a montré cette semaine combien les rituels familiaux et collectifs comptent pour le public.

    Le verdict en avant-première

    Sur les faits confirmés, il s’agit de l’une des recommandations les plus faciles du calendrier 2027. Le créateur réalise le film. Les parents sont de retour. Le principe protège le cœur petit et honnête de la série, et le pari des images de synthèse est confié à un studio australien qui comprend la source. Ajoutez la force mondiale de Disney dans les salles et une date en août pensée pour l’été des familles, et The Bluey Movie ressemble moins à un pari qu’à un rendez-vous.

    Notez le 6 août 2027. Apportez des mouchoirs, même si vous jurez qu’ils sont pour les enfants. Surtout dans ce cas.

  • Raison et sentiments enchante à nouveau : Daisy Edgar-Jones redonne vie à Jane Austen

    Raison et sentiments enchante à nouveau : Daisy Edgar-Jones redonne vie à Jane Austen

    Jane Austen traverse les époques sans jamais perdre son public, et une nouvelle génération de spectateurs s’apprête à la découvrir à son tour. Focus Features et Working Title présentent une nouvelle adaptation de Sense and Sensibility, le premier roman publié de l’écrivaine, dans les salles des États-Unis à partir du 16 octobre. Le film a été présenté en première mondiale à Leicester Square, à Londres, le 15 septembre, puis il est sorti au Royaume-Uni le 25 septembre. Sa première américaine a eu lieu le 7 octobre à Los Angeles, au United Artists Theatre, et l’équipe poursuivait encore sa tournée cette semaine avec une présence remarquée au FocusFest le 12 octobre.

    Daisy Edgar-Jones incarne Elinor Dashwood, l’aînée qui ressent tout avec intensité mais qui ne laisse presque rien paraître. Face à elle, Esme Creed-Miles joue Marianne, la cadette qui exprime tout, haut et fort, de préférence sous la pluie. Ce contraste forme le moteur même du roman, et la réalisatrice Georgia Oakley, sur un scénario de Diana Reid, a choisi deux interprètes capables de le faire tourner à plein régime, avec nuance et avec humour.

    Deux sœurs, deux manières de traverser l’épreuve

    L’histoire est célèbre, mais elle mérite toujours d’être racontée avec fraîcheur. À la mort de leur père, Elinor, Marianne, leur jeune sœur Margaret et leur mère perdent leur demeure de Norland, à cause de règles d’héritage qui favorisent un demi-frère. La famille se retire alors dans un modeste cottage et reconstruit sa vie sociale dans un cadre plus petit, avec de nouveaux voisins, de nouveaux prétendants et des sentiments anciens qui refusent de rester en ordre. Caitriona Balfe joue Madame Dashwood, Bodhi Rae Breathnach incarne Margaret, et Fiona Shaw apporte sa merveilleuse gravité comique au rôle de Madame Jennings.

    Les personnages masculins arrivent sous des traits familiers, portés par de belles interprétations. George MacKay est Edward Ferrars, doux et déconcertant à parts égales. Herbert Nordrum joue le colonel Brandon, l’homme discret de la pièce, dont la décence demande du temps pour être remarquée. Frank Dillane incarne Willoughby, qui remarque Marianne d’un seul coup, ce qui, chez Austen, reste rarement un compliment durable. La distribution comprend aussi Stacy Martin dans le rôle de Fanny Dashwood et Tom Brooke dans celui de John Dashwood.

    Le regard de Georgia Oakley, le scénario de Diana Reid

    Georgia Oakley est connue pour un travail intime et observateur, et cette sensibilité convient particulièrement à Elinor. Le drame de l’aînée est intérieur. Elle apprend une mauvaise nouvelle et continue de servir le thé. Une réalisatrice qui fait confiance aux petits gestes peut donner à ces scènes une force supérieure à celle d’une grande scène de bal. Le scénario de Diana Reid, qui adapte un roman publié pour la première fois en 1811, a été salué dans les premiers échos favorables pour avoir conservé l’esprit sec et vivant d’Austen, sans le transformer en simple décor de parade costumée. La production réunit Tim Bevan et Eric Fellner pour Working Title, avec India Flint et Jo Wallett à la production, une équipe riche d’une longue expérience des films d’époque.

    Avec une durée de 131 minutes et une classification tout public aux États-Unis, le film vise le public d’un bel après-midi au cinéma, suivi d’une longue conversation. Il offre aussi un contrepoint charmant aux titres plus bruyants de la saison. Les lecteurs qui aiment les grandes célébrations publiques retrouveront une autre forme d’élégance dans notre récit de la Fête nationale célébrée par la famille royale d’Espagne au Palais royal de Madrid, où le protocole devient lui aussi un langage des sentiments.

    Pourquoi cette adaptation a de vraies chances

    Chaque génération reçoit l’Austen dont elle a besoin. La version de 1995, avec le scénario d’Emma Thompson et la réalisation d’Ang Lee, a placé la barre très haut et reste une favorite. Une nouvelle version n’a pas besoin de la surpasser. Elle a besoin d’une raison d’exister, et celle-ci en possède deux : Daisy Edgar-Jones, qui sait tenir un gros plan comme peu d’actrices de sa génération, et Esme Creed-Miles, dont la Marianne apparaît d’abord comme une adolescente, avant d’être une héroïne romantique. Cet ordre est juste. Marianne est jeune. Ses sentiments sont réels et son jugement est encore en construction, comme celui de tout le monde à dix-sept ans.

    Focus Features connaît bien ce public. Le studio a construit un beau parcours avec des sorties littéraires et des films d’époque, et la date du 16 octobre offre au film une voie dégagée : des adultes et des adolescents plus âgés en quête d’une romance intelligente, pendant que les films d’horreur occupent les salles voisines. Le bouche-à-oreille reste le meilleur plan de promotion pour un film de cette nature, et les premières à Londres, à Dublin et à Los Angeles lui ont donné une avance amicale. À New York, la vie culturelle et mondaine offre d’autres rendez-vous, comme le montre notre portrait de Gloria T. Cressler, figure de la philanthropie internationale à New York, qui rassemble elle aussi un public fidèle autour de belles causes.

    Le verdict avant le premier week-end

    En avant-première, les signes sont chaleureux : un scénario fidèle mais vivant, deux sœurs bien assorties, une belle troupe d’acteurs de caractère et une réalisatrice qui comprend les pièces silencieuses. Les premiers avis favorables ont déjà cité le film parmi les préférés de l’année, et même les débats autour de son ton prouvent qu’il possède un point de vue, plutôt qu’une approche mécanique. Austen sans point de vue ne serait que du mobilier. Ici, il y a le mobilier et les sentiments.

    Allez le voir avec une sœur, une mère ou l’amie qui cite encore le film de 1995 à table. Sense and Sensibility sort dans les salles des États-Unis le 16 octobre, et il mérite une recommandation sincère et enthousiaste : chaleureux, spirituel et joué avec un vrai cœur.